John Varvatos Menswear AW2015

Milan, 17 January 2015

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Interview: Marc Newson

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My new article for COOL HUNTING

Recently, we reported on the launch of a new collaboration between Safilo and acclaimed Australian designer Marc Newson, meant to celebrate 80 years of activity for the historic Italian eyewear company. At Milan Design Week, we had the honor to talk to Newson himself. In a totally white space filled with light, in the historic halls of La Triennale, the designer spoke about manufacturing processes, signature products, heritage and the future of design.

How did you get in contact with Safilo?

I was approached by Safilo about 18 months ago and, in terms of industrial design, it was a relatively short period of time. I automatically assumed it would be sunglasses or something more fashion-oriented, but they said they were actually interested in optical frames. I became very excited about that because for the first time three years ago, I had to start wearing glasses. As a consumer, I found it really difficult as a male to go and find nice optical frames. It sounds like a crazy thing and there’s so many products on the market,but I really, really had difficulty. So I was using an old pair of frames which I liked and I put lenses in, but they were antique frames and didn’t work very well.

You also had the chance to get in with the production side, since you have worked a lot in recuperating specific techniques and materials.

Safilo is an old company with a really rich history, and that’s always a wonderful place to start. I work with a lot of brands that have a rich history and it’s good on one hand, it’s difficult on the other hand. In some cases it can be quite heavy and inhibiting. In other cases, depending on the mentality or the philosophy of the company, it can become a fantastic kind of wealth of information.

Safilo is a quintessentially Italian company, so they’ve lived through the greatest periods of design because they’re in the spiritual hub of design. To go through the historical archive, with products, techniques and philosophy, it’s an inspiring process, it’s a much better place to start.

Did you start from already existing styles in terms of shape or did you start from scratch?

It was a combination of three things: it was starting from scratch on one hand, on the other hand looking through the range of products that have been produced by Safilo for the last 80 years. Not only to take ideas, but to understand the philosophy of the company because there is a kind of deep design DNA, there is a way that Safilo does things, which is different to other manufacturers. And then the third thing is to simply create something that I’m happy to wear as a consumer.

In this specific project and other projects you’ve made, how is it possible to keep to the next level, to remember—but not too much—what was before?

My job is not to reinvent the wheel, but it’s a reinterpretation. It’s a way just to make it more contemporary. Probably it also has something to do with the fact that I come from Australia. I was born in a culture with no sort of historical baggage in design, so everything for me was new in one way. It’s like if I work for Riva, the most important thing for me is when somebody sees a boat 100 meters away, they say, “Ah, it’s a Riva”. They don’t say, “It’s Marc Newson.” It has to look like a Riva. The same happens with the Atmos clock for Jaeger-LeCoultre: the first thing they see it’s an Atmos clock. It’s not about me, it’s really about the product and that’s the same thing with Safilo.

If you were to give advice to a young designer or design student, what would it be?

I think designers need to spend as much time as they can studying technical things because you can’t work anywhere in the world with design if you don’t have a really great technical understanding. And the only way you can achieve great results is if you are able to communicate with manufacturers on an equal kind of basis, so I spend as much time as possible learning how to do that. It’s not just about sketches, it’s not just about concepts, it’s really about understanding production, materials, technology. And getting some kind of commercial knowledge as well, that’s also important. Every designer I know—every single designer, all of my contemporaries—99% of the time they have to teach themselves about the commercial side of design.

Is there something you haven’t designed yet that you would love to design?

I’ve been asked the question a few times and I always struggle to find an answer. I’ve worked in so many different areas, but the point for me is that it’s all design. People think you need to specialize, but I’m thinking I am specializing actually: I’m specializing in design. Design is always a problem-solving exercise. It doesn’t matter if it’s glasses or a frame, doesn’t matter if it’s automobile or a telephone. It’s a problem-solving exercise, absolutely. That’s what I’m doing. But maybe it would be nice to design nothing for a while.

The Safilo x Marc Newson collection is on sale at Colette in Paris, 10 Corso Como in Milan, London’sDover Street Market and online at Mr. Porter.

A proposito di faccia

fotoProprio ieri, l’Oxford Dictionary ha annunciato la parola dell’anno: selfie. La nostra faccia, l’autoritratto, il nostro volto, sono diventati il primo mezzo di comunicazione, anche oltre i rapporti “faccia a faccia”.

Ma c’è gente che la faccia la mette, la usa, per lavoro: le modelle. Una breve storia recente del mondo delle più importanti top-model americane è About Face, un documentario diretto dal grande fotografo Timothy Greenfield-Sanders e pubblicato in Italia da Feltrinelli Real Cinema. Attraverso le testimonianze dirette di molte protagoniste della moda dagli anni ’70 ad oggi, il film racconta (in maniera molto patinata) il mondo della moda visto da chi è stato il corpo della moda, senza lasciare da parte gli aspetti più scomodi, quali droghe e disordini alimentari.

Le protagoniste sono Carol Alt (conosciuta anche in Italia per una serie di film assolutamente dimenticabili), Marisa Berenson (nipote della grande Elsa Schiaparelli), Karen Bjornson (amata soprattutto dal compianto Halston), Christie Brinkley (nota per le copertine delle swimsuit issue di Sports Illustrated), Pat Cleveland (anche lei un’Halstonette), Carmen Dell’Orefice (classe 1931, ancora attiva, probabilmente la modella con la carriera più lunga mai vista), Jerry Hall (madre di quattro figli di Mick Jagger), Bethann Hardison (uno dei volti afroamericani di maggior successo degli anni ’80 e ’90), Beverly Johnson (prima donna di colore a comparire sulla copertina dell’edizione USA di Vogue, nel 1974), China Machado (un’altra bellezza esotica, di origine portoghese e cinese), Paulina Porizkova (fuggita dalla Cecoslovacchia in seguito all’invasione sovietica), Isabella Rossellini (chi non la conosce?) e Lisa Taylor (punta di diamante della Ford Models e musa di Calvin Klein).

Pensandoci bene, i ritratti delle top model sono sempre una forma di autoritratto. Il loro volto dice sempre qualcosa di determinante all’interno dello scatto, afferma per addizione, non per sottrazione. La loro personalità emerge con la forza con cui noi, oggi, vogliamo emerga la nostra nel miliardi di selfies.

Se bella vuoi apparire

Due video sulle scarpe, due punti di vista: quello dell’utente e quello del creatore.

Il video di Garance Doré ci racconta di una dura giornata al fashion circus, sempre con i tacchi da mattina a sera (con tanto di cameo di Christian Louboutin). Il secondo mostra Barbora Vesela al lavoro nel suo atelier di Londra, mentre nascono dalle sue mani un paio di scarpe.

Prospettive opposte, tecniche diverse, contenuti distanti, differenti livelli di profondità: comunque un modo per imparare un paio di cose sulle paia che tanto ci ossessionano.

Into the box, out of the box

 

Dopo aver visto questo video, c’è da aggiungere altro? “Bellissima questa animazione”, verrebbe da dire. E invece no: si tratta di una ripresa video di una serie di proiezioni su pavimento, pareti e due tele bianche azionate da robot. Anche la cinepresa è mossa da un braccio meccanico, in sincrono con gli altri due.

Si tratta dell’inizio di un nuovo genere? Forse sì. Sicuramente gli autori lo credono, visto che hanno scelto un “pionieristico” bianco e nero che vuole creare un paradosso e ci vuole dire che non ci sono nemmeno troppi effetti speciali. Credo si possa dire, senza esagerare, che questa tecnica può avviare un nuovo modo di fare video.

Meraviglia e illusionismo sono obiettivo e mezzo che hanno portato alla nascita di questo piccolo capolavoro. Vale la pena di vedere anche il breve documentario che ne racconta la genesi. Giusto per capire che la santa alleanza tra uomo e macchine può far nascere anche la poesia.

 

 

E sul mitico Motionographer si trova anche un’intervista ad Abdel Gawad di Bot & Dolly.

Wim Botha

Alcune immagini della bellissima installazione di Wim Botha per il Padiglione del Sudafrica alla Biennale di Venezia, in corso fino al 24 novembre.

Il corpo che pensa

Le mostre della Wellcome Collection di Londra sono sempre una scoperta. Affrontano temi scomodi (morte, malattia, manie, ossessioni) con un tocco di dissacrazione British, ma senza arrivare agli estremi dei cattivi ragazzi della YBA o di tutte le varie trasgressioni di matrice punk. Ogni progetto espositivo è legato in qualche modo alla scienza e/o alla psicologia, con il corpo sempre al centro. D’altronde lo sponsor è un’arcinota azienda farmaceutica, fondata da un imprenditore con la passione per gli esseri umani e le loro forme di espressione.

La mostra in corso ora (fino al 27 ottobre) è Thinking with the Body e racconta il lavoro del coreografo Wayne McGregor, un danzatore che ha l’ambizione di usare il corpo non solo per comunicare, ma addirittura per pensare. Se molti sostengono che il cervello sia un muscolo, ma McGregor sembra voler dire che ogni muscolo è un cervello.

Le parole chiave della mostra sono “coreographic thinking”, “kinestetic intelligence”, “embodied cognition”, “sonifictation”, “distrbuted memory”: si tratta di forme di pensiero, non solo di movimento meccanico o di rapporto tra suono e movimento. Per mettere a punto le sue metodolgie, McGregor ha collaborato con scienziati di ogni sorta (soprattutto sociologi, psicologi), senza paura di entrare anche in relazione con le tecnologie più avanzate, mettendole anche in scena.

Ogni persona che entra a far parte del suo “corpo di ballo” Random Dance diventa un autore, non solo un esecutore. Infatti, ogni membro del suo staff contribuisce alla messa a punto di coreografie che cambiano e crescono con ogni neurone che entra in gioco. Il risultato è incredibile: attraverso un metodo scientifico (il PACT, messo a punto con il neuroscienziato Phil Barnard) che, attraverso il pensiero e la percezione, arriva a creare situazioni in cui il corpo è generatore di pensiero.

Criptico? Forse. Sicuramente va visto qualche video (ad esempio qui, qui e qui) ma l’analogia più adatta è quella d una forma di danza che assomiglia a Wikipedia, o meglio, al cervello del mondo che sta diventando Internet, sempre più duttile e collaborativo. La Rete oggi non è più solo un veicolo per la rapida trasmissione di informazioni o per calcoli sempre più veloci e complessi, ma uno strumento che “intellige”, che raccoglie dati, li capisce e li rielabora, in maniera sempre più organica, ovvero simile ad un organismo.

Se Internet è un cervello senza corpo, Wayne McGregor ci sta dimostrando che il nostro corpo, nella sua interezza, è un meraviglioso cervello, impossibile da replicare. E dimostra che – come al solito – il corpo umano è superiore, più veloce, bello, interessante, misterioso di a qualsiasi tipo di tecnologia.